山村浩二、日本の独立系アニメーション

13歳のとき、山村浩二は雑誌から、描かれた紙を動かす方法を学びます。必要なのは、スーパー8カメラ、忍耐力、そして挑戦する勇気だけです。その瞬間から、彼のキャリア全体が、ほとんど子供じみた直感から生まれたのです。アニメーションは単なる技術ではなく、存在しない世界への主要な扉であり、それを実践する人は、基本的に常に少し子供のままなのです。一般的には、アニメーションはチームワーク、大手スタジオ、業界のパイプラインによるものであると考えられています。しかし、山村氏はその考えを覆します。真のアバンギャルドは、グループが存在しない場所、短編映画ごとにスタイルを変え、新しいプロジェクトごとにすべてをリセットできる場所、尊重すべき伝統がない場所で生まれるのです。彼にとって独立性は、単なる経済的必要性ではなく、創造的原則なのです。あるシーンがすべてを説明している。山村は毎朝、東京の寺院の周りを歩き、虫の声に耳を傾け、木々を観察し、アイデアが落ち着くまで仕事を先延ばしにする。まるで年金生活者の日課のようですが、この散歩から世界が生まれます。彼の最も有名な短編映画『山の頭』は、100年前の日本の伝説から出発点を得て、それを変貌させます。主人公の頭に登るキャラクターの代わりに、今日の市民が、乱雑でグロテスクな山の頭の上で、桜の木の下で花見をする、ピクニックをする姿が描かれています。わずか10分のこの短編映画は、オタワの映画祭、アカデミー賞ノミネート、アヌシー国際アニメーション映画祭とザグレブ国際アニメーション映画祭でのグランプリなど、あらゆる場所で注目を集める。そして、すべてはスケッチでいっぱいのスケッチブックと、職人であり続けるという選択から始まったのです。もう一つの重要な瞬間：1985年の広島。山村が21歳のとき、映画祭の審査員であるカナダ人監督のイシュ・パテルに出会う。ヤマムラ監督は、イシュ・パテル監督の実験的短編映画を見て、作品ごとに技法を変えても、美的感覚は一貫させることができるということに気づきます。それがきっかけとなり、「この仕事をしたい」と決意します。しかし、日本には、アーティスト短編映画制作者のための場がありません。そこで山村氏は解決策を考案しました。Au Praxinoscopeというアニメーションギャラリーを開設し、本来は見ることができない原本や素材を人々に見てもらえるようにしたのです。その後、東京芸術大学でアニメーションのコースを設立しました。年間最大16人の学生が、アイデアからポストプロダクションまで、工房の見習いとして指導を受けます。ここでは経済的支援は乏しく、困難は多くありますが、自由は絶対的です。「プロジェクトごとにすべてをリセットできる。」 彼の哲学は明確だ。商業アニメーションはスタイルの境界線を作り出し、決まり文句を繰り返す。彼は、独立した短編映画という険しい道を好む。そこでは、作品ごとに前作とは根本的に異なるものを作ることができる。忘れてはならない点が1つあります。日本では、この仕事をする人たちのための公的資金はほとんどありません。リスクは絶えず存在し、経済的利益は最小限ですが、ほぼ原始的な手段で原始的な感情を伝える可能性という賭け金は非常に高いのです。そして山村氏にとっての秘訣はまさにここにあります。デザインがシンプルであればあるほど、深く掘り下げることができるのです。これが、しばしば見落とされる視点です。アニメーションは、真に独立している場合、単に物語を語るためのものではありません。代替世界がどのように機能するか、そして何よりも、私たちの頭がどのように機能するかを理解するのに役立ちます。大手アニメ業界の日本は、山村監督の短編映画の日本とは異なり、おそらくここから新しいクリエイターの時代が始まるのかもしれません。描かれた一枚一枚の紙は、原始的な疑問を投げかけている。伝統に従うのではなく、毎回ゼロから始めるとどうなるのか？違いを生むのは技術ではなく、視線の自由度です。アニメーションは大手スタジオだけのものだと考えていたなら、Lara Notesで「I'm In」を押してください。これで、このアイデアがあなたにも関係するものになったのです。そして数日後、マウントヘッドや寺院周辺を歩く山村さんの話を誰かにしている自分に気づいたら、Lara Notesで「Shared Offline」を使って一緒にいた人をタグ付けできます。価値のある会話の痕跡が残るのです。このNotaはArchipelからのもので、1時間のインタビューを節約できました。