Conversa com Masaaki Yuasa – Annecy 2022

Masaaki Yuasa decidiu que seria animador aos doze anos, mas a verdadeira surpresa é que seu estilo, tão característico, surge justamente da recusa em ter um estilo fixo. Quando criança, ele desenhava para os colegas da escola infantil os personagens dos animes que tinha assistido na noite anterior, e ficava feliz se eles também se divertissem. Depois, quando ele achava que mangás e animes eram apenas para crianças, uma obra como Yamato fez sucesso no Japão e, de repente, até os adultos puderam se declarar fãs sem constrangimento. Desde então, Yuasa nunca mais parou. Mas a verdadeira virada veio com esta convicção: “Eu não pensava em me tornar diretor, só queria desenhar. E, para cada projeto, preciso de um estilo diferente.” Parece banal, mas, em um setor em que a autoria é frequentemente medida por uma marca reconhecível, Yuasa inverte tudo: sua marca muda de filme para filme, porque cada história exige sua própria maneira de ser contada. No entanto, qualquer pessoa que tenha assistido a Mind Game ou Inu-Oh sabe que sempre há algo inconfundível, mesmo que não consiga explicar o quê. Ele responde da seguinte forma: “Anime é apenas um método de produção cinematográfica. Não é especial por si só. A questão é usar o que o orçamento e o meio permitem e sempre encontrar a opção mais eficaz, inclusive do ponto de vista criativo.” Quando fala sobre suas influências, Yuasa não faz distinção entre Tom e Jerry, os clássicos da Disney, a música ou as artes visuais: “Não é uma questão de gosto, eles se tornaram parte de mim. Tudo o que acho interessante, tento trazer para a animação.” Ele estudou pintura a óleo, escultura e artes aplicadas, mas nenhuma disciplina se torna regra: cada projeto é a soma de tudo o que ele absorveu até aquele momento. Um exemplo concreto: nas cenas de dança de Inu-Oh, Yuasa inseriu breakdance, patinação, movimentos inspirados em Jackie Chan e danças folclóricas de todo o mundo. Para realizá-las, ele poderia ter contratado um coreógrafo, mas preferiu trabalhar diretamente no storyboard assim que recebeu a música, misturando todas as sugestões que lhe vinham à mente. E, se o resultado parece “caro”, é porque a liberdade de misturar influências tem um preço: tempo, esforço e a capacidade de convencer toda a equipe a segui-lo. A relação com a música também foi construída por meio do trabalho. A colaboração com Shinichiro Watanabe em Mind Game ensinou a ele uma regra de ouro: “Você deve colocar a música quando o público quiser, não quando você quiser.” Em Inu-Oh, o trabalho com Otomo Yoshihide foi uma batalha criativa contínua: a música tradicional não funcionava com a estrutura de rock que Yuasa tinha em mente, então ele montou um curta de referência usando suas músicas favoritas e, só depois disso, Otomo conseguiu compor a trilha sonora certa. Sem fórmulas, apenas tentativas, erros e um diálogo estreito entre imagens e som. Quem acha que a animação é uma prisão deveria ouvir a resposta dele a uma pergunta do público: “Claro, às vezes acho que o live action seria mais fácil. Mas, a cada vez, me concentro no que só a animação pode fazer. Quero ser livre e coloco essa ideia de liberdade em cada obra.” Não é por acaso que ele nunca escolhe o público de antemão: “Lou Over the Wall deveria ser um filme para crianças, mas a história mudou, os personagens amadureceram e, no final acabou sendo para toda a família. Não planejo tudo: me deixo ser transformado pelo processo.” Um aspecto que raramente é abordado: a gestão da equipe. Yuasa admite que dirigir é, acima de tudo, resolver problemas, gerenciar conflitos entre roteiristas, animadores e músicos, e encontrar maneiras de levar todos ao destino, mesmo quando parece impossível. Afinal, ele afirma que a maior satisfação surge quando o produto final supera as expectativas de todos. E, em relação à colaboração internacional, especialmente com jovens talentos de escolas francesas como a Gobelins, Yuasa é claro: “Existe a questão do idioma, mas estou disposto a superá-la. O importante é trabalhar com pessoas que têm talentos diferentes dos meus.” Portanto, a verdadeira lição que ele deixa é a seguinte: não existe uma única maneira “certa” de fazer animação, nem um estilo a ser defendido a qualquer custo. A liberdade de Yuasa é escolher, a cada momento, o que é necessário para a história, mesmo que isso signifique se contradizer. E o público? Ele percebe isso e o acompanha exatamente por esse motivo. Bastam três detalhes para contar sua história durante um jantar: Yuasa muda de estilo a cada filme porque se recusa a ter apenas um; suas cenas de dança em Inu-Oh são uma colagem de influências do mundo todo porque “tudo pode se tornar animação”; e sua principal regra em relação à música é inseri-la apenas quando o público a deseja, nunca antes. Afinal, a marca registrada de Yuasa é a liberdade de mudar. Você consegue reconhecê-lo mesmo quando ele não se parece com ele mesmo. Talvez essa seja a verdadeira assinatura de um autor. Se a ideia de que a liberdade é mais importante do que um estilo fixo chamou sua atenção, no Lara Notes você pode clicar em I'm In: é a maneira de declarar que essa perspectiva se tornou parte do seu modo de pensar. E, se daqui a alguns dias você se pegar contando a alguém sobre Yuasa e sua obsessão pela liberdade criativa, no Lara Notes você pode marcar essa conversa com Shared Offline: é o registro de que uma conversa de verdade aconteceu, não apenas um link compartilhado. Esta Nota é extraída de uma longa entrevista do Annecyfestival com Masaaki Yuasa: você acabou de economizar mais de uma hora de escuta.