Entretien avec Masaaki Yuasa – Annecy 2022

Masaaki Yuasa a décidé qu’il serait animateur à l’âge de douze ans, mais la véritable surprise est que son style, si reconnaissable, naît précisément de son refus d’en avoir un fixe. Enfant, il dessinait pour ses camarades de maternelle les personnages des animés qu’il avait vus la veille au soir, heureux s’ils s’amusaient eux aussi. Puis, alors qu'il pensait que les mangas et les animes n'étaient que pour les enfants, un titre comme Yamato a explosé au Japon, et soudain, même les adultes ont pu se déclarer fans sans gêne. Depuis lors, Yuasa n'a plus jamais arrêté. Mais le véritable tournant est venu de cette conviction : « Je ne pensais pas devenir réalisateur, je voulais juste dessiner. » Et pour chaque projet, j'ai besoin d'un style différent. » Cela semble banal, mais dans un secteur où l’auteuriat se mesure souvent à un style reconnaissable, Yuasa bouleverse tout : son style change d’un film à l’autre, car chaque histoire exige sa propre façon d’être racontée. Pourtant, quiconque a vu Mind Game ou Inu-Oh sait qu’il y a toujours quelque chose d’incomparable, même s’il ne sait pas expliquer quoi. Il répond ainsi : « L'anime n'est qu'une méthode de réalisation de films. Ce n'est pas spécial en soi. L'important est d'utiliser ce que le budget et le support permettent, et de toujours trouver le choix le plus efficace, y compris sur le plan créatif. » Lorsqu'il parle de ses influences, Yuasa ne fait aucune distinction entre Tom et Jerry, les classiques de Disney, la musique ou les arts visuels : « Ce n'est pas une question de goût, elles font désormais partie de moi. Tout ce que je trouve intéressant, j’essaie de l’intégrer à l’animation. » Il a étudié la peinture à l'huile, la sculpture et les arts appliqués, mais aucune discipline ne devient une règle : chaque projet est la somme de tout ce qu'il a assimilé jusqu'alors. Un exemple concret : dans les scènes de danse d'Inu-Oh, Yuasa a intégré du breakdance, du patinage, des mouvements inspirés de Jackie Chan et des danses folkloriques du monde entier. Pour les réaliser, il aurait pu faire appel à un chorégraphe, mais il a préféré travailler directement sur le storyboard dès qu'il a eu le morceau de musique, en y intégrant toutes les idées qui lui venaient à l'esprit. Et si le résultat semble « coûteux », c'est parce que la liberté de mélanger les influences a un prix : du temps, des efforts et la capacité à convaincre toute l'équipe de le suivre. Sa relation avec la musique s'est également construite au fil du travail. Sa collaboration avec Shinichiro Watanabe sur Mind Game lui a appris une règle d’or : « Tu dois mettre de la musique quand le public en a envie, pas quand tu en as envie. » Pour Inu-Oh, le travail avec Otomo Yoshihide a été une bataille créative permanente : la musique traditionnelle ne fonctionnait pas avec la structure rock que Yuasa avait en tête ; il a donc monté un court métrage de référence en utilisant ses chansons préférées, et ce n'est qu'ensuite qu'Otomo a pu composer la bonne bande originale. Pas de formule, uniquement des essais, des erreurs et une confrontation étroite entre les images et le son. Ceux qui pensent que l’animation est une cage devraient écouter sa réponse à une question du public : « Bien sûr, parfois, je pense que le live action serait plus facile. Mais à chaque fois, je me concentre sur ce que seule l’animation peut offrir. Je veux être libre, et je mets cette idée de liberté dans chacune de mes œuvres. » Ce n’est pas un hasard s’il ne choisit jamais son public à l’avance : « Lou Over the Wall devait être un film pour enfants, puis l’histoire a changé, les personnages ont grandi, et au final, c’est devenu un film pour toute la famille. Je ne planifie pas tout : je me laisse transformer par le processus. » Un aspect rarement abordé : la gestion de l'équipe. Yuasa admet que réaliser, c'est avant tout résoudre des problèmes, gérer des conflits entre scénaristes, animateurs et musiciens, et trouver le moyen de conduire tout le monde à bon port, même lorsque cela semble impossible. Au fond, dit-il, la plus grande satisfaction est atteinte lorsque le produit final dépasse les attentes de tous. Et concernant la collaboration internationale, en particulier avec de jeunes talents issus d’écoles françaises comme Gobelins, Yuasa est clair : « Il y a le problème de la langue, mais je suis prêt à le surmonter. L’important est de travailler avec des personnes qui ont des talents différents des miens. » Ainsi, la véritable leçon qu'il nous laisse est la suivante : il n'existe pas une seule « bonne » façon de faire de l'animation, ni un style à défendre à tout prix. La liberté de Yuasa consiste à choisir à chaque fois ce qui est utile à l'histoire, même au prix de se contredire. Et le public ? Il s'en rend compte, et il le suit précisément pour cette raison. Trois détails suffisent pour en parler autour d'un dîner : Yuasa a changé de style à chaque film parce qu'il refuse d'en avoir un seul ; ses scènes de danse dans Inu-Oh sont un collage d'influences du monde entier parce que « tout peut devenir une animation » ; et sa règle d'or concernant la musique est de ne l'introduire que lorsque le public le souhaite, pas avant. Au fond, la marque de fabrique de Yuasa, c'est la liberté de changer. Vous pouvez le reconnaître même lorsqu'il ne lui ressemble pas. C'est peut-être là que réside la véritable signature d'un auteur. Si l’idée que la liberté est plus importante qu’un style figé vous a marqué(e), sur Lara Notes, vous pouvez appuyer sur I’m In : c’est votre façon de déclarer que cette perspective fait désormais partie de votre façon de penser. Et si, dans quelques jours, vous vous surprenez à parler à quelqu'un de Yuasa et de son obsession pour la liberté créative, sur Lara Notes, vous pouvez marquer cette conversation avec Shared Offline : c'est la trace qu'une véritable discussion a eu lieu, et pas seulement le partage d'un lien. Cette Note est tirée d’un long entretien d’Annecyfestival avec Masaaki Yuasa : vous venez de vous épargner plus d’une heure d’écoute.