Im Gespräch mit Masaaki Yuasa – Annecy 2022

Masaaki Yuasa beschloss im Alter von zwölf Jahren, Animator zu werden, aber die eigentliche Überraschung ist, dass sein so unverwechselbarer Stil gerade aus der Weigerung entsteht, einen festen Stil zu haben. Als Kind zeichnete er für seine Kindergartenkameraden die Figuren aus den Animes, die er am Abend zuvor gesehen hatte, und freute sich, wenn auch sie Spaß hatten. Dann, als er dachte, Manga und Anime seien nur für Kinder, wurde ein Titel wie Yamato in Japan zum Hit, und plötzlich konnten sich auch Erwachsene ohne Scham als Fans bezeichnen. Seitdem hat Yuasa nicht mehr aufgehört. Aber der eigentliche Wendepunkt ergibt sich aus dieser Überzeugung: „Ich hatte nicht vor, Regisseur zu werden, ich wollte nur zeichnen. Und für jedes Projekt brauche ich einen anderen Stil.“ Es mag banal klingen, aber in einer Branche, in der die Autorenschaft oft an ihrem unverwechselbaren Stil gemessen wird, stellt Yuasa alles auf den Kopf: Sein Stil ändert sich von Film zu Film, denn jede Geschichte verlangt nach ihrer eigenen Art, erzählt zu werden. Doch jeder, der Mind Game oder Inu-Oh gesehen hat, weiß, dass es immer etwas Unverwechselbares gibt, auch wenn er nicht erklären kann, was es ist. Er antwortet: „Anime ist nur eine Methode des Filmemachens. An sich ist es nichts Besonderes. Es geht darum, das zu nutzen, was das Budget und das Medium zulassen, und immer die effektivste Wahl zu treffen, auch in kreativer Hinsicht.“ Wenn Yuasa über seine Einflüsse spricht, unterscheidet er nicht zwischen Tom & Jerry, den Disney-Klassikern, der Musik oder der bildenden Kunst: „Es ist keine Frage des Geschmacks, sie sind ein Teil von mir geworden. Alles, was ich interessant finde, versuche ich, in die Animation einzubringen.“ Er hat Ölmalerei, Bildhauerei und angewandte Kunst studiert, aber keine Disziplin wird zur Regel: Jedes Projekt ist die Summe von allem, was er bis zu diesem Zeitpunkt aufgenommen hat. Ein konkretes Beispiel: In die Tanzszenen von Inu-Oh hat Yuasa Breakdance, Eiskunstlauf, von Jackie Chan inspirierte Bewegungen und Volkstänze aus der ganzen Welt eingearbeitet. Um sie zu realisieren, hätte er einen Choreografen hinzuziehen können, aber er zog es vor, direkt am Storyboard zu arbeiten, sobald er das Musikstück hatte, und alle Ideen, die ihm in den Sinn kamen, zu kombinieren. Und wenn das Ergebnis „teuer“ erscheint, liegt das daran, dass die Freiheit, Einflüsse zu mischen, ihren Preis hat: Zeit, Mühe und die Fähigkeit, das gesamte Team davon zu überzeugen, ihm zu folgen. Auch die Beziehung zur Musik wurde durch die Arbeit aufgebaut. Die Zusammenarbeit mit Shinichiro Watanabe bei „Mind Game“ hat ihm eine goldene Regel beigebracht: „Du musst die Musik dann einsetzen, wenn das Publikum sie will, nicht dann, wenn du sie willst.“ Bei Inu-Oh war die Zusammenarbeit mit Otomo Yoshihide ein ständiger kreativer Kampf: Die traditionelle Musik passte nicht zu der Rockstruktur, die Yuasa im Sinn hatte, also schnitt er einen Referenz-Kurzfilm mit seinen Lieblingsliedern, und erst danach konnte Otomo den richtigen Soundtrack komponieren. Keine Formel, nur Versuch und Irrtum und ein enges Zusammenspiel von Bild und Ton. Wer denkt, dass Animation ein Käfig ist, sollte sich seine Antwort auf eine Frage aus dem Publikum anhören: „Natürlich denke ich manchmal, dass Live-Action einfacher wäre. Aber jedes Mal konzentriere ich mich auf das, was nur Animation leisten kann. Ich möchte frei sein, und ich bringe diese Idee von Freiheit in jede meiner Arbeiten ein.“ Es ist kein Zufall, dass er sein Publikum nie im Voraus auswählt: „‚Lou Over the Wall‘ sollte ein Kinderfilm werden, dann änderte sich die Geschichte, die Figuren wurden erwachsener, und am Ende wurde es ein Film für die ganze Familie. Ich plane nicht alles: Ich lasse mich vom Prozess verändern.“ Ein Aspekt, der selten diskutiert wird: das Teammanagement. Yuasa räumt ein, dass das Regieren vor allem darin besteht, Probleme zu lösen, Konflikte zwischen Drehbuchautoren, Animatoren und Musikern zu bewältigen und einen Weg zu finden, alle ans Ziel zu bringen, selbst wenn es unmöglich erscheint. Letztendlich, so sagt er, ist die größte Genugtuung, wenn das Endprodukt die Erwartungen aller übertrifft. Und was die internationale Zusammenarbeit betrifft, insbesondere mit jungen Talenten von französischen Schulen wie Gobelins, ist Yuasa klar: „Es gibt das Problem der Sprache, aber ich bin bereit, es zu überwinden. Das Wichtigste ist, mit Menschen zusammenzuarbeiten, die andere Talente haben als ich.“ Die eigentliche Lektion, die er hinterlässt, lautet also: Es gibt nicht nur einen „richtigen“ Weg, Animationen zu erstellen, und es gibt auch keinen Stil, den man um jeden Preis verteidigen muss. Yuasas Freiheit besteht darin, jedes Mal das auszuwählen, was für die Geschichte notwendig ist, auch wenn er sich selbst widerspricht. Und das Publikum? Es merkt es und folgt ihm genau aus diesem Grund. Drei Details genügen, um beim Abendessen über ihn zu erzählen: Yuasa hat bei jedem Film seinen Stil geändert, weil er sich weigert, nur einen zu haben, seine Tanzszenen in Inu-Oh sind eine Collage aus Einflüssen aus der ganzen Welt, weil „alles zu Animation werden kann“, und seine wichtigste Regel in Bezug auf Musik ist, sie nur dann einzusetzen, wenn das Publikum sie will, nicht vorher. Letztendlich ist Yuasas Markenzeichen die Freiheit, sich zu verändern. Man kann ihn erkennen, auch wenn er nicht wie er selbst aussieht. Vielleicht ist genau das die wahre Signatur eines Autors. Wenn Sie die Idee, dass Freiheit wichtiger ist als ein fester Stil, beeindruckt hat, können Sie auf Lara Notes auf „I’m In“ klicken: So können Sie erklären, dass diese Perspektive Teil Ihrer Denkweise geworden ist. Und wenn du in ein paar Tagen feststellst, dass du jemandem von Yuasa und seiner Besessenheit von kreativer Freiheit erzählst, kannst du dieses Gespräch auf Lara Notes mit Shared Offline markieren: Es ist der Beweis dafür, dass ein echtes Gespräch stattgefunden hat und nicht nur ein Link geteilt wurde. Diese Notiz stammt aus einem langen Interview des Annecy-Festivals mit Masaaki Yuasa: Sie haben sich gerade mehr als eine Stunde Hörzeit gespart.